STEP5    体会芭蕾的轻灵与厚重

　
    舞蹈的质感在于轻灵。

    芭蕾尤以轻灵为其美学特征。

    自从150年前芭蕾的选题浪漫地朝非现实方向一跃，仙姝倩鬼神魔精灵遍布舞台，芭蕾舞的表现形态随之发生变革，一蹴而就并不可逆转地把轻灵的本质突现出来。1832年代表浪漫主义芭蕾方向的《西尔菲达》(即《仙女》)在巴黎问世。这部借助于苏格兰民间传说，描绘一幅林中仙子同凡人相恋图景的舞剧里，女主人公西尔菲达有一对会飞的翅膀，在舞台上时隐时现、飘忽不定；当时人称"芭蕾皇后"的玛丽·塔莉奥妮首演这个角色，她的舞蹈风格的轻盈，把人们超自然的想象完美地体现在舞台上，并由此而确立了足尖舞蹈的地位--当之无愧地具有芭蕾舞代表性质的技艺。9年以后，另一部浪漫主义的杰作《吉赛尔》在巴黎同观众见面并流传至今，被誉为芭蕾艺术皇冠上的一颗明珠。这部舞剧受惠于自斯拉夫民族的传说"维丽斯女鬼的夜舞"，着意表现了山村少女吉赛尔的纯情与善良。舞剧对比式地展现了现实生活和冥冥世界两幕场景，那虚幻飘渺的幽灵之舞，是芭蕾艺术把不可知的世界奇妙地展现在人们眼前的杰作。浪漫主义的注入掀开了芭蕾历史新一页，从此，芭蕾艺术形态就定位于轻灵这一坐标。美妙绝伦的足尖舞功、各种腾跃空中的技巧、举重若轻的男女双人舞、以及急遽的旋转、飘洒的舞步、舒展流畅的舞姿……舞蹈的格式和技巧无一不刻印着轻灵的属性。

    轻灵给人以视觉美感，它把情感、情绪、愿望透过人体美丽和谐的律动透发出来，把人的超脱自然束缚、飞升向上的心理要求具体在一个物质存在上，从而激发了审美主体的审美愉悦。

    轻灵又是一种境界。它借助动态的线条勾勒的图景，弥漫着非言传的意蕴，濡染着周围空间。在舞蹈者，它是表现的欲望假外部形态合理地恰如其分地释放；对欣赏者，则是透过目睹活生生的媒体，映照心田那一缕风光，于是经受感染、拨动共鸣、生发联想、重复体验。

　
    舞蹈的表现力建筑在轻灵飘逸之上。

    芭蕾尤以轻灵垂范舞蹈殿堂。

    无论是如歌式的抒怀或豪迈的咏叹，无论是纤纤淑女或骁勇雄健的骑士，无论舞段的力度要求如何地粗犷开阔、激越铿锵，芭蕾艺术对轻灵的诉求始终是悬在所有舞者头上的一把戒尺--简明、光洁、迅捷、准确，起跳爆发力如火箭升空，落地若飘落绵絮。记得《睡美人》王子儒雅的变奏独舞吗？多么轻捷洒脱，一派尊贵的宫廷风度；而《海盗》首领康拉德，如疾风似迅雷，凌空跨越，翻卷急旋，那是大海锤炼的性格；袅袅婷婷的《四人舞》， 将一幅百多年前的版画复制在舞台上，依旧散发出妩媚动人的馨香；火辣辣的《堂·吉珂德》，带着斗牛之乡的西班牙风姿，剽悍有加黠慧飞动……尽管这些脍炙人口的舞段风格各异，却必须守恒于芭蕾舞的规范之美：动作轻盈，技巧稳练。于是，人们对芭蕾品评视角自然地偏向轻灵，犹如鉴赏出土彩陶离不开粗朴稚拙，聆听交响乐离不开雄浑凝重，吟读水墨画离不开精润灵秀一般，品味舞蹈尤其芭蕾离不开轻灵。如果失却了轻灵，芭蕾舞的美感与魅力也就丧失殆尽。因此，芭蕾舞传达给审美主体的最为突出的感受，凝结在一个词汇上－－轻灵。倘舞者能将轻灵这一舞蹈要素挥发达于极至，诗意便自然而然从中流淌、喷涌出来。

    然而，轻灵的芭蕾形式，又会映现出另一重性格－－厚重；

    因为，芭蕾作品的内涵往往又是厚重的。

　
    感情的倾吐，理念的宣发，内心的剖白，行为的展露，在芭蕾作品及人物身上都涂抹着厚重的油彩，肩负着厚重的使命。舞剧，悲剧、正剧、抑或喜剧，必然隐含通过舞蹈阐发的主题，而任何主题相对于轻灵的舞蹈叙述形式，总是厚重的。正剧和悲剧自不待言，即如轻松的喜剧芭蕾《无益谨慎》、《窈窕淑女》、《驯悍记》，也都显露出某种庄重的人文主义态度。芭蕾小品如《天鹅之死》，短短几分钟里刻画了一幅生死搏击的悲壮场面，深沉而隽永。纯粹着意于将音乐视觉化的交响芭蕾，调动舞者犹如摆弄音符，甚至同音乐的无标题一致地无标题，却也在和声般的形式美中传达出某种意蕴，把宽泛的抽象的不确定性的音乐内在因素呈现在舞台上。即使一个叫《练习曲》的节目，将芭蕾从艺者的日常练习展览于观众眼前，它那明快、洒脱、齐整、繁难，激荡起人们惊诧、亢奋、叹服、愉悦--以简约的形式换取的是复杂的情绪反映，就是它的意在不言中的内在品性。

    舞蹈，尤其芭蕾，轻灵与厚重并行不悖。

    轻灵是美的载体，负载着形式美表现美外在美；轻灵又是厚重的载体，负载着思维、观念、情绪、意向--内蕴之美。

    舞蹈，尤其芭蕾，是以轻灵的材料构筑的厚重的艺术实体。只是，厚重的程度有差异，或为巍峨的大厦，或为玲珑的小舍。

    轻灵使芭蕾富有生命力。但真正洋溢生命激情的作品，必然包孕厚重的内涵；惟此而意味深长，而情趣盎然，而气韵生动，而神形兼备。古往今来，无数芭蕾精品，无不是把轻灵与厚重有机地缝纳在一起。《天鹅湖》浓郁诗意是动人的，既来源于舞蹈画面的纯美，也来源于浪漫地讴歌爱情这一永恒的主题。《斯巴达克》气势恢宏，是用精巧的舞蹈构思涂抹的一幅奴隶起义的历史画卷。福金的《仙女们》淡雅清新，那仙境是借用肖邦的音乐，导引出贮存于人的心灵中的清纯。《村居一月》以明丽温煦的笔调，写出复杂的人物关系，映照出屠格涅夫时代的风貌…… 单一的轻灵不足以承载永恒的价值，惟有以厚重为骨架，方能经受岁月的冲刷而永葆鲜丽。

    空洞的厚重失却了艺术风采，同样经受不住时光磨蚀而被历史遗忘。

    轻灵不流于轻浮，厚重不滞于呆板，方为芭蕾的完美之作，亦是艺术的完美之境。

    STEP 6    演员、观众及谢幕的规矩

    每位芭蕾演员都是按芭蕾舞规范化要求造就的。芭蕾舞所要求的外开性、稳定性、柔韧性、轻盈而具有高跨度的跳跃、洒脱而有力度的旋转，动作清晰干净及协调性、舞蹈感，与契合音乐、理解音乐、表现音乐——还有做到这一切的体力（耐力与爆发力），都是芭蕾舞演员需要掌握的。

    自17世纪中叶第一所芭蕾舞蹈学校在巴黎建立起，三百多年来，芭蕾教学随同这门艺术本身的发展而日益丰富、完善，并产生了多种与各个芭蕾艺术流派相一致的教学体系。正规芭蕾舞校依照教学大纲培养学生，通常吸收10至12岁左右的孩童入学，经过六至九年的磨炼方才毕业。学校的专业课程（以北京舞蹈学院为例）有古典芭蕾课、芭蕾双人舞课、性格舞（亦称具有代表性的各国民间舞）课和历史上流行于欧洲宫廷舞会的“舞会舞”（亦称历史生活舞）课。芭蕾基本功训练是每天的必修课。芭蕾有其特殊的人体规范，必须进行特别严格的训练。为使学生掌握最基本的元素以及这些元素的协调，而开始最简单然而也是最重要的训练。最初学生从双手扶把杆“站位”开始（即按芭蕾舞规范的脚的五个位置如“一位”——双腿撇开呈“一”字型训练学生）。最简单的动作是一只脚用力摩擦地面，绷直擦出，再摩擦收回“一位”，如此反复以锻炼腿部肌肉能力。扶把练习包含约略十个方面的组合，充分锻炼脚、腿、胯、腰等各部肌肉，然后进入脱开把杆的练习。扶把练习对成熟的舞蹈演员依然是每天的必修课，从事芭蕾舞的男男女女注定一辈子如此辛劳，直到离开舞台的那一天。脱把杆的训练更具舞蹈性，它依旧是从低到高、从简入繁的循序渐进的过程。即重复把杆训练内容，然后是基本的单一的跳跃和各类组合，最后才达到学习技巧的程度。教学大纲规定要逐年提高学生的能力，以最终掌握各项基本要领为目的，至于熟练地掌握各种技能，包括技巧和表演风格的把握，则只能通过不断的舞台实践而日趋成熟起来。当然，学生期的训练，也不只是提高学生的肌肉素质，而且练就了挺拔的躯干、和谐的动律及灵活性、舞蹈感，同时芭蕾舞的特殊韵味也渐渐陶冶出来。音乐是舞蹈的灵魂，与舞蹈动作的内在含意相联系的音乐感，也是训练科目的重要内容。由于基本功训练是在钢琴伴奏下进行的，久而久之，学员的乐感也培养起来。以上这些便是每个合格的芭蕾演员舞必备的素养，由此我们能够体会到，成为一个合格的芭蕾舞演员是需要经过多么艰辛的跋涉，多么真诚的追求和倾心的投入。

　
    剧场里的掌声代表了观众对艺术表演者的赞赏、鼓励与感谢，同时也是受到艺术感染的观众宣泄情感的积极方式。因此，什么时候鼓掌谁也不能硬性规定。不过，出席芭蕾晚会的人们在各幕（场）结束和演出终了时鼓掌致意已成惯例。在每个舞段之间如果没有延续性的音乐连接人们也会报以掌声。甚至当演员表演一个高超的绝技，即便整段舞蹈没完，也会激起人们喝彩的欲望——这时的掌声对演员来说无异于兴奋剂，会激发他（她）更强烈的表演热情，促使他（她）把下面的技巧完成得更好。但是，如果演员表演的是深沉地抒发感情的内容 或者是异常优雅的舞段乃至如此的场景，已经把观众带讲情绪陶然的静谧气氛，掌声的出现就不大相宜了。另有一种情形，即舞剧角色的饰演者在跳完一段精彩舞蹈而获掌声时，该不该谢幕呢？一般说来这时谢幕会破坏剧情的连贯性，使演员在刹那间游离于角色之外了。可是，有些国家有此习惯，即不管剧情如何只要演员表演出色就报以掌声，这已形成一种客套礼节，只好另当别论了。

    总之，鼓掌是观众自发情绪的表现，掌声象一座沟通观众同演出者感情的桥梁，可以顿然拉近两者的踞离，增加演出空间的热度，也是欣赏艺术必不可少的氛围。充分调动你艺术欣赏的能动作用吧!为你得到的美的享受而鼓掌,为通过艺术劳动奉献了美的人们致谢。