标题：笔墨风流 徐惠泉彩墨人物作品

徐惠泉  《四季平安》 68x68cm  纸本重彩

从工笔彩墨到水墨写意
            ――徐惠泉的写意人物画谈
    贾 德 江

    当代著名人物画家徐惠泉向来以工笔重彩著称于世。他的工笔重彩人物在葆有水墨意趣的同时，更注重对于色彩的品质、规律及表现性的挖掘。他用色的品类不多，但却使每种色彩的美性结构得到一个极致的发挥。在他的工笔人物画中，常以大片墨块的配制作为骨架，以墨线的穿插作为脉胳，并通过胶、矾、拓、印等特殊处理，在画面上制作出仿佛需几百年乃至几千年才能形成的斑驳肌理效果，使其作品有一种历史的穿透力和沧桑感。在构图上，他吸收了西方现代绘画的构成法则，打破了时空概念，着力于画面的情趣意味；在造型上，以线为主，略作变形夸张，表现江南女子的温情、才智与美丽；在色彩处理上，以西方古典绘画中典雅、温和、富贵为基调，再点缀以印象派绘面的强烈色彩，尤其是金粉的使用，更为作品平添了富丽的景象，传达出一种怀人、怀旧、怀乡的意蕴。

    徐惠泉是在用传统绘画的基本语词，表述着一个新的语言；虽然用的仍是宣纸和国画颜料，展示的却是崭新的视觉形象，既不失与传统的承继性，又充盈着现代的时尚感受。他的作品满足了“古典的”与“现代的”两种文化需求，在情真意切之中，用自己抒情的笔调，静静地、耐心地、细致地描绘出现代中国画的一片视觉新天地。徐惠泉在工笔画领域里所显示的戛戛独造，为他带来了声誉和影响。

    值得提示的是，当今画坛尚没有注意到他的写意人物画。事实上，徐惠泉的工笔画的成就得益于他的写意画。早年，他曾潜心揣摩陈老莲、八大、石涛、任伯年、吴昌硕等诸大家的写意作品，也曾就读于浙江美术学院专修水墨写意人物画。他是借写意之石攻工笔之玉，将写意画的功力和修养，以及呈现的潇洒、气韵、神思之妙融人工笔画中，使得他的工笔画具有写意的特点而体现出绘画的现代性，形成了淳和流畅、隽秀诡谲、逸韵飘然的画风。由写意到工笔是徐惠泉艺术取向的转变，再由工笔到写意，已不单纯是在工笔或写意中求变，而是在中国画中以两种绘画语言的互补，变化出自己的个性特征。

    徐惠泉创作的水墨人物画，和他的工笔人物画一样，异曲同工，以抒情和唯美为审美取向，表现的主题大致有两类：一类是现代江南秀女，一类是古典高士佳人。前者是来自家乡的情结，后者是源于传统文化的濡染。无论哪类题材，我理解徐惠泉更多地看重其地域性的特色和它在水墨语言上所承载的能量。他所作的《五月》、《疏影》、《薰风》、《初夏》等，画中江南秀女或采摘劳作，或读书吟诗，清纯可爱、风姿绰约，画中常集花卉、人物、风景于一体，似乎是具象的，实则是意象的。其具象，像现场写生一样传神，亲切可感；其意象，想像的情节，夸张的轮廓、姿态，别生一种韵味，人与物皆求生动，予历史或现实的造象以生机勃勃的气息，意趣盎然。

    徐惠泉是一个极富抒情性的画家，这种抒情成分不仅充盈着他的个性，也充盈着他那月明风清、天高云淡的诗性而弥漫在我们的感受中。冬去春来，仿佛有一种淡淡的微风吹来，清凉明澈的空气沁人心脾，而他笔下的女性，柔美多姿，仪态万方，与山石花树构成了人世间最纯粹、最和谐、最美好的生命隐喻，所透出的文化意味，有许多令人深思和回味的东西。如《春苑隹期》，山石与少女没有太多的色彩装饰，那是一种清凉幽静的诗境，画中人物秀而不媚，似无思而有思。明媚的春光，繁乱的花枝与苔点，触动了主体人物心底的情愫，给人以悠长的艺术韵昧。

    徐惠泉的水墨人物多以小品为主。小品既是画家有感而发、不吐不快的载体，又是画家探索水墨语言多种可能性的机运。有时候，后者更是水墨小品的缘起。姿态的塑造、神情的刻画、氛境的营造……在小品外观的表现技法上，可以看到一种水墨语言的“修辞”方式。笔墨秀润，造型俊逸，色彩淡雅，气象生动，所表现的多是“如诗、如歌”婉约清新的意境，这是徐惠泉水墨写意人物的鲜明特色。这种风格无疑源于中国文人画的水墨传统。徐惠泉对中国画的传统笔墨形式是尊重的。他用具有书法笔意的线条，编织成变幻多姿的人物意象，笔法生动活泼，笔力穿透纸背，线条自然爽利。在凸显线条状物功能的同时，注重其自身的表现性，劲中带柔，稚中寓秀，随人物结构而恣肆挥洒，灵气飞动，线质随其变化为方圆、长短、起落、转折、疏密、巧拙等书法情趣。如果说，在笔墨表达上，有的画家笔胜于墨，有的墨胜于笔，而徐惠泉则笔墨齐显、互为生发。

    生动的笔法不同于荒率的逸笔草草，尤其在人物环境的配置上，更显露出笔墨自身的情质与韵味。在徐惠泉看来，传统笔墨中的勾皴点染是极为宝贵的资源，要从中撷取，并转用到自己的创作之中，笔墨的独立价值也因此而得以展现。他画中的人物或端坐于山石间，或倚傍于花树下，这就使传统的山水、花鸟多种技法在这里派上了用场。他的山水笔法倾向于董其昌、石涛的中锋、长线、书法式的用笔，墨法则取自黄宾虹以“七墨”为核心的点染之法；花鸟表现既有宋画的双勾点染，也有吴昌硕的泼墨写意，但他并不拘泥于固有的笔墨程式，而是根据营造的情境以自己独特的笔墨传达古典笔墨的写意精神。其实，无论是人物或景致，徐惠泉均无意在作品中显露出某家笔法或墨法，而是用笔墨抒写自己的文人情怀。在这同时，他又处处表露出对骨法用笔、墨分五色、力透纸背、刚柔相济等笔墨要义的不懈追求。

    与徐惠泉多年研习色墨交融的工笔彩墨相关，他在追求水墨意趣的同时，没有放弃色彩的地位，更注重“设色即用笔用墨意，补笔墨之不足，显笔墨之妙处”。他在水墨写意人物中，与他的工笔彩墨一样，用色的品类不多，均以中国画固有的沉稳色彩为主，无外乎是石青、石绿、朱磦、赭石、藤黄而已。用色不失笔意，用色不失墨意，很少用“泼彩”，全以“写”抒发中国画的“意”。这种“以色助墨光，以墨显色衫”的写意语言，实际上是古代文人笔墨理论在没色上的延伸。由此看来，徐惠泉对于笔、墨、色、点、线关系的综合经营，使他的水墨写意人物在语言建构上进入了“当代”的历史时域，这是一个对传统资源进行再发现，由此而使他的作品具有当代特征。

    从本质上讲，中国画是一种超逸的艺术，它与现代、与生活始终保持着相当的距离。因此中国的艺术家完全有理由将自己封闭起来去“闭门造车”。按照西方的艺术逻辑，这是不可理喻的。但是东方的理念去主张艺术只关心心灵的真实。任何一门艺术，不论其多么精臻，多么逼真，若与心灵无关或与心灵的状态相背离，都是一种外在的、表面的真实，因为它根本与艺术家本人无关。尽管他们的作品有时也很有些“动人”，但这种“动人”，绝不是源自于画家本人或其精神情感，而仅仅是物象本身的“动人”，我们不会联想它的作者或作者的心灵现状。因此从“人的艺术”这一观念来诠释，这一类作品是无情而“虚假”的。

    然而，在徐惠泉的作品中，我们看到了一种难能可贵的艺术真实，有《蕉肥竹瘦》下的沉思，有《梦暖暗香里》的惆怅，有《松下煮茶》的悠然，有《香径芳心》的羞涩，有《春消息》的闲愁，有《诗窗寒香》的离情，也有《五月枇杷实》的欢乐人生，尽管他的许多题材、语言借自古人，借自传统，尽管他的那些作品尺幅并不大，但它却与人类的情感相谐相依。艺术的表现具有了时空的穿透力，他的画笔似乎已民经触摸到水墨人物画的神韵所在。其实，艺术是一种非常自我的感觉，形似只是表层意义上的绘画，而准确地表达画家的内心世界，赋予人物鲜活的生命才是艺术的最高境界。

    当然，徐惠泉不是“闭门造车”的那类人，他的人物形象，他的作晶逼真感，均来自于对生活的细腻观察和感受，并以此得以与中国传统的人文精神对话，将自己的笔墨引向了当代。这个当代便是――更为关注笔墨的精神性表现，关注视觉效果的新活与独特，关注生命永恒的价值。

    作为国内画坛的一位实力派青年画家，徐惠泉近年来作品愈显成熟，也愈显分量。这种成熟与分量，由以下三种因素决定着：精纯的笔墨技艺，深远的作品意韵，独特的艺术风格。在现实中，我们并不缺少笔墨技艺、作品意韵或独特风格，但是将三者以两种绘画语言同时推向一个较为完善的境地，却是一件极其不容易的事，但徐惠泉凭借一种才情和智慧做到了这一点，这是他的辉煌之处。

    在这辉煌的后面是一颗沉静的心和对中国传统的领悟与拓展的思考，所以徐惠泉还将会取得更大的成功。

徐惠泉  《远古》  68x68cm纸本  2005

徐惠泉彩墨人物作品中的人物，基本上是妙龄少女，有几个是谈过恋爱的，或者已经有了意中人，她们摇着团扇歪着头想着自己的心事。更多的是还没有谈对像的少女，她们在闺房或者后花园中，梳妆、纳凉、读书、弹琴、吹箫、赏花，她们梳妆打扮是给自己看的，她们弹琴吹箫是给自己听的，她们似懂非懂地读读《红楼》《西厢》，然后对着一池荷花，是一付为赋新诗强说愁的样子吧。大家闺秀和小家碧玉，全是自得其乐和津津有味的。

    她们是明朝或者清朝的白领丽人，有一些家底，不愁吃不愁穿，愁的就是大片的时间，怎么更好地打发在风花雪月上，因此她们看起来特别地风雅。

    也可以说徐惠泉的人物画，其实就是仕女画。

    专家对待仕女画，看的是线条和色彩，他们隔裂和抽象地对待面前的仕女，他们更像是一架医院里体检的机器，他们把一件有趣的事情，硬生生地做得没趣起来，他们使自己一个正常的人成了一个专家。而外行人看待仕女画成功和不成功，应该简单得多，能让人再要看一眼的，是成功，看过以后能让人有点想入非非的，是成功。

    郁达夫写过一付对联，对联的句子是：“曾因酒醉鞭名马，生怕情多累美人。”郁达夫还说，我爱妻子，因此爱天底下所有的女人。徐惠泉是很敬业的画家，所以对待笔底下的人物特别地认真，这样的认真不是一板一眼不解风情的呆板和刻意，而是充满怜爱的会心和默契，这样充满怜爱的会心和默契，是艺术情怀和情趣。因此第一次创作，都是崭新的开始。这一个女孩是什么性情，又会产生什么表情，那一个女孩是什么心理，又会产生什么姿态，徐惠泉一一细腻而温情地加以体会，再通过笔墨传递给大家。这一些仕女像一个个新娘似地款款而来，跃然纸上，而徐惠泉仿佛就是她们的新郞了。这一点应该是徐惠泉彩墨人物作品的最大特色和成就。

    徐惠泉彩墨人物画的另一个主要特色就是有背景，这一个背景是心里有谱吧，什么样的社会什么样的风气，什么样的家庭什么样的生活，什么样的情感经历什么样的心路历程，徐惠泉和贾宝玉似地，和这些妹妹们朝夕相处心心相映，所以他笔下的人物有了特别丰富的内涵，或者说是一个时代一种生活的缩影了。

    一个成熟而真诚的艺术家，就是能够运用自己掌握的艺术形式，将心里说出来，这是和笔底下人物的以诚相待，也是和读者的肝胆相照，因此他是自信和大气的，是真实和生动的，比如徐惠泉，这一册由中国工人出版社出版的作品集《徐惠泉彩墨人物作品》，就是一个证据和最好的说明了。 

徐惠泉  《春江花月》 136x205cm

《徐惠泉彩墨人物作品》 中国工人出版社出版

    徐惠泉以彩墨画而著称，不过他的水墨画也很精彩，而且他是从水墨走向彩墨的。其实，在徐惠泉那里，彩墨与水墨仅仅是质材和表现手段不同而己，艺术理念和个性风格并无实质性的区别。它们描绘的都是江南少女，刻画她们缠绵而忧伤的感情，都在呈现绘画的纯审美功能，都体现了艺术家的艺术功力、修养和悟性。

    我读徐惠泉的画，明显感觉到他是重视功力的艺术家。这里说的功力包含两层意思：绘画技巧和制作本领。这两者是互相既有区别又有紧密联系的能力。简单地说，绘画技巧就是在画面上塑造艺术形象即描绘客观物象和借以抒发感情的本事。可是用什么工具、材料来造型，即用何种描绘、制作的手段，并不是与绘画技巧无关的事，而对绘画技巧有相当大的牵制作用，有直接的影响，是艺术功力的重要组成部分。中外艺术史上的大师们对绘画质材和表现手段都十分重视，更不用说那些创造了辉煌艺术奇迹、默默无闻的民间匠师了。从这个意义上说，一位艺术家首先应该是一位手艺人，应该十分懂得工具材料的脾性和效能。可是这一点往往为当今不少艺术家所忽视甚至不屑一顾。

    徐惠泉之所以十分重视手艺，重视绘画制作的工艺手段和程序，固然与最早他受到的艺术教育是在苏州工艺美院绘画系有关，但真正影响了他艺术追求的，恐怕是他在自己的艺术实践中逐渐建立起来的意识：在绘画创作中，材料至关重要。他在《梦中的伊甸园——人物画创作笔记二则》一文中说：“笔墨当随时代，时代变了，笔墨不得不变。我要加一句：‘材料变了，作品不得不变’。”可见他对材料在绘画创作中所起的作用是何等的重视。确实，徐惠泉具有鲜明个性面貌的彩墨风格的形成，在许多方面得益于他在材料上的变革。

    彩墨不同于水墨的是对色彩的重视。色彩是绘画语言的重要组成部分，在我国古代绘画传统中历来有重彩和重墨的两大体系，宋元之后文人画成为主流，人们对水墨的认识和掌握达到高度的自觉，相形之下，对色彩作用的认识却逐渐模糊和淡化。事实上，中国画的繁荣就媒材而言离不开两种自觉：水墨的自觉和色彩的自觉。水墨的拓展应该与色彩的创新齐头并进。在色彩领域，新形式彩墨画的兴起与传统工笔重彩的再辉煌有同等的意义。彩墨驰骋20世纪画坛，表明一些仁人志士的开拓精神。彩墨不同于工笔重彩，它结合了水墨和重彩两者的长处，但不拘泥于工笔，而是可工可写，可虚可实，有相当大的自由空间。

    在经过反复实践之后，徐惠泉选择的是传统绘画用纸—生宣。这是因为他的彩墨画兼有“写”即”书写”与“做”即“制作”两个特点。而生宣在承受水墨时所表现出来的自然渗化效果，是其他纸张所无法代替的，同时它经得起“做”，经得起“磨”。但生宣也给徐惠泉带来了麻烦，那就是要解决好墨与彩相结合的难题，做到既发挥墨在生宣上的妙处又能使色彩显示其灿烂效果，使彩墨画在保持传统水墨特有韵味的基础上具有特殊的艺术表现力。他在解决这一难题的过程中，表现出不屈不挠的探索精神，在失败和成功中总结经验。他在颜色选择上注意生宣的特质，基本上采用国画中的矿石颜料，但同时采用水彩、水粉、丙烯、染织颜料，并以金粉、银粉、喷漆、油墨、胶水、明矾等作为辅助材料。他说，他在色彩采用上持“拿来主义”的态度，他用各种工具作画，有毛笔、油画笔、漆刷、刮刀、牙刷、絲网、喷壶、吹管等，发挥不同工具的性能制造不同的“痕迹”，目的是为画面的表现力服务。他掌握的原则是画面整体性与细节精妙性的统一，制作手段的复杂性、丰富性与艺术性的统一，墨与色的和谐统一。徐惠泉的作品有繁复的工艺程序，但给人的感觉是一气呵成，贯穿于整个画面的是似乎在游动的气韵。正是因为这种灵动性使他的彩墨作品不同于一般重彩画的装饰效果。准确地说，在徐惠泉的彩墨画中，装饰性服务于画面的审美意蕴，更耐人寻味。

    线在徐惠泉的彩墨画中具有重要的“网络”作用，他在生宣上用“意笔”胸有成竹地勾出各式各样曲折有致、力度很强的线，刻画出清晰的主题与轮廓，作为画面的基础，然后再用繁复的工序，包括局部喷洒矾水，上墨时用写、洒、拓、折、填、印等多种手法，造成斑驳肌理，以及一遍遍地铺设底色，然后在朦胧的画面上寻找新的形象，用墨线复勾，对形象加以精致的刻画、填色，并做最后的审慎调整。整个创作过程中既有冷静理智的工作步骤，也有激情和潜意识的冲动。前者会出现预期的效果，后者却可能带来意外的惊喜。徐惠泉把自己的创作过程概括为“是从有到无再到有的递进过程”。他还把第二步“无”比喻为是对原来画面的“破坏”，是“大胆跟着感觉走”，是“整个创作过程中最具挑战、最富激情、最具想象力的过程。” 其实，这种从有到无再到有的过程是符合一般创作原理的，每一个艺术家都可能有类似的体会，但如何把这个过程做得有声有色，最终出现鬼斧神工的艺术面貌，那就要看作者的感觉力和领悟力了。

   徐惠泉的彩墨画是在广泛吸收了古今中外艺术营养基础上的出色创造，这里有水墨写意的神韵，有工笔重彩的严谨，有古典绘画的雅丽、富贵，有印象派的色彩追求，也有现代艺术的构成法和某种梦幻意识。

    还要指出的是，徐惠泉用彩墨描绘江南窈窕身材和姣好容貌的少女，运用语言稍有不当便可能失之于甜、俗，但由于他在形象刻画、表现语言和画面处理上掌握有度，使作品保持纯正的艺术格调，这一点也是难能可贵的。

    徐惠泉用自己的天赋和才能，创造了有鲜明个性风格的彩墨艺术，向我们奉献出一幅幅富有温柔、细致情调的画面，他说这是他梦中的伊甸园，是他真情构筑的玫瑰梦。他让我们忘掉现实生活的种种烦恼，跟随着他走进他的梦境，分享他塑造的那些女子们的快乐与忧愁。

徐惠泉  《晨妆》  68x68cm 纸本重彩 2005年

 1996年的春天，我去美国普强制药公司一位老外家，进门就被一幅中国彩墨画吸引。画面上是一位江南女子，秀丽的脸上挂着淡淡的哀愁，背景的色彩却是中国宫殿常用的金色，有一种富丽堂皇的感觉，与画面上那位秀气善良、楚楚可怜、冰清玉洁又带着无限惆怅的女子形成了巨大的反差，无论她的衣服多么华丽，无论她的背景多么的辉煌，她在我的眼里就是江南水乡到处可见的那种村姑，那种平凡得不能再平凡又不甘沉沦的农家姑娘。这种反差瞬间就抓住了我的心，蓦地，我感到心脏被画面上那位女子温柔的小手抓住了……竟忘了我来的任务。

    爱玛女士说：“喜欢吗？加拿大和美国人很喜欢他的画。”

    “喜欢”我心不在焉地说。

    那天我的采访总走神，仿佛自己已经走进了一个女性神秘的世界……其实那天本来与爱玛要交流的是有关世界500强的老总在中国的生活状态问题，不知怎的，谈的主题却是女权问题。

    有一段时间我百思不得其解，游离主题对我来说还是第一次。

    爱玛说，这位画家说他认识你。

    徐惠泉？！

    当然认识，何止是认识，还经常在文联的办公室见面。似乎没有说过什么话，最多的交流莫过于“点头”而已。他绝不是那种一见面就给人留下深刻印象的人，他的画却能如此打动人心，这是我始料不及的。

    没有想到徐惠泉画中那位江南女子温柔的小手，一抓就抓住了我近十年的时间。我开始关注徐惠泉的画，并留心各种刊物对他绘画的评价。2004--2005年，我在北京新华书店、苏州新华书店都看到了徐惠泉的装帧不一的画册，他的画又一次让我思索人性、博爱、平等这类的话题。

    无巧不成书，在书店我碰到一位加拿大藉华人。他告诉我，他在国际航空公司工作，并说徐惠泉在加拿大很有影响。他到航空公司工作后，加拿大航空公司送出的第一张飞机票，是给徐惠泉先生的，这在加拿大是一个很高的荣誉。他还说1994年，第二届多伦多“枫叶奖”国际水墨创作赛，徐惠泉获金奖，那次展览，加拿大的总理、省长、市长都发了贺电。紧接着徐惠泉又去美国办了画展，当他从美国回到加拿大时，中国驻加拿大多伦多总领事馆的文化参赞宴请了徐惠泉并给予了高度评价，认为徐惠泉的国画融合了西画的长处，又保留了中国画水墨传统的精髓，为祖国争得了荣誉。

    徐惠泉在国内国外都得过不少的奖，也在国内外多次举办过个人画展，在2005年5月北京瀚海拍卖公司举办的国际拍卖会上，他的一幅国画拍得了5万5千元，立即在南方掀起了收藏徐惠泉彩墨画与水墨画的热潮，收藏家通常是一次就收藏徐惠泉一批几十张作品。有一段时间，徐惠泉必须每天晚上画画，通宵达旦的工作，才能应付收藏家们日益膨胀的收藏欲望。这使他的双眼招架不住，不得不在医生的劝阻下住院治疗。

    徐惠泉早已知名度颇高的画家，可他为人十分低调，穿着一般，连说话的声音都是低八度的，在任何一次会议上，你不耐心地寻找他，他就会被那些西装革履派头很大的“艺术家”们淹没。
我一直蔑视“包装”与“炒作”，认为这是一种精神上的糜烂，尽管它们在当今异常时髦，并且有人为此一夜暴富……我坚信最后的胜利者是用作品说话的人，尽管他们历经坎坷，像梵高、高更、徐渭、齐白石、任伯年……

    我感觉徐惠泉是用自己的作品说话的艺术家。

    尼采说：“要想震动世界必将长久的沉默。”我期待着徐惠泉用自己的作品震动世界。

徐惠泉晨妆68x68cm纸本2005

名家眼中的徐惠泉——牛克诚 中国艺术院研究员

    中国理论界、文学界、出版界颇有名气的人物为徐惠泉写文章可谓乐此不疲。比如，牛克诚、车前子、吕锦华、贾德江……他们从不同的视角评论徐惠泉的人品与画品。在此不妨看看这些名家如何看待这个不爱显山露水的徐惠泉。

    牛克诚 中国艺术院研究员：在日本某大学做高级访问学者时，偶然在日本的报纸上看到徐惠泉在加拿大获金奖的作品《春江花月》，被作品奇特的艺术表现手法吸引，立即产生一种要与徐惠泉越洋对话的感觉，这种感觉在他平生还是第一次。

    他这样评价徐惠泉的彩墨创作：徐惠泉的用色是一种心象之色，而不是对自然物理色彩的直接摹拟，他用泥金而布置出的片片荷叶表达着他对金色池塘的内心视象，那色彩响亮的荷叶震撼着每一个欣赏过它的人。徐惠泉在铺陈水墨时，墨块在宣纸上自行渗化使其具有不确定性；在这种墨象的基础上所进行的超越时空限制的构图，也使其作品在构成上具有无可把握的节律性；一种“无限”、“神秘”的性格也因之产生。而明确、坚实、厚重的色彩则具有“具体”、“明晰”的可确定性，它消去了因变幻不定的墨象所带来的视觉和心理上的骚动，它使我们能够从容感认画面上的每一处细节。

    彩墨画由于色彩的大量运用，处理不当往往流于娇艳、甜俗、肤浅，一些彩画由于一味地追求浓重的色彩效果，其作品已失去了传统中国画的精髓，而更像装饰画。徐惠泉在大量运用色彩手段的同时又能呈现出水墨画的独特意韵，他是在谋求中国画在现代转型时期的一种“蜕变”之路。尽管对于激进的创新派而言，这条路似乎显得有些“中庸”，似乎革命的不够彻底；但如果我们考虑到传统水墨所拥有的千年积淀，更考虑到文化史上的变革其实往往就是传统资源在新背景下的重组，我们就会承认，这种中国画的现代蜕变之路，其实正是传统水墨画冲出困境的一个可行的方略。

徐惠泉 傍妆台 95x180cm 纸本重彩 2003年

名家眼中的徐惠泉——车前子（中国作家协会会员 江苏省作协理事 著名诗人）

    他这样解读徐惠泉的中国画：女人是很容易破碎的，对她们要小心轻放。看了徐惠泉的彩墨人物画后，我最先感到这一点。徐惠泉的彩墨人物画，画得大多是女人，而且这些女人衣裳上的褶皱又几乎像冰裂纹——这是徐惠泉的独创，于是也渡船一般把我摇到想入非非的彼岸去了。那里蜡烛呕红，那里屏风漾金，那里的玫瑰椅上睡着一朵豆蔻年华。在这不无华丽甚至奢侈的梦境中，徐惠泉的彩墨女人们出现了，她们仿佛是一件件冰裂纹的瓷器，因为随时会破碎，所以随处让人怜。

    艺术的老扁豆由青转红以至于红得发紫之际，敏感的人、天才和诸如此类就觉到了坠落，对材料的热情和研究是抓住往上飞的羽毛。有的人抓住了鸡毛，有的人抓住了鹰毛，徐惠泉的画抓住的无疑是鹰毛，直入蓝天——徐惠泉的画的确有蓝天的性质：眩目。

徐惠泉 《妆》直径68cm 纸本彩墨 2004年

名家眼中的徐惠泉——吕锦华 （中国散文家协会会员 一级作家 苏州市文联副主席）

    她这样表述徐惠泉的画：第一次看徐惠泉的画，我就被深深打动了——我没有用“吸引”一词，是因为他的画确实给我的不仅仅是吸引，而是一种心灵的震撼，它让我突然想起悠悠的历史，想起历史长河不息的涛声，想起历史一路走来的艰难足音。
我对画并无深层研究，我只是凭一种直觉看画，创作关机的时候，我常常喜欢拿出一些画来欣赏，作为一种休息，也可以从中得到许多东西；有的画我看过也就淡忘了，因为它没有自己鲜明的个性，也没有能抓住读画人的东西；而有的画却让人长久地难以忘怀，一闭上眼睛，它就会清晰地浮现在你面前——徐惠泉的画，就属于这样一种类型。

徐惠泉 《花季》 68·68cm 纸本重彩 2003年作

名家眼中的徐惠泉——吕锦华 （中国散文家协会会员 一级作家 苏州市文联副主席）

    她这样表述徐惠泉的画：第一次看徐惠泉的画，我就被深深打动了——我没有用“吸引”一词，是因为他的画确实给我的不仅仅是吸引，而是一种心灵的震撼，它让我突然想起悠悠的历史，想起历史长河不息的涛声，想起历史一路走来的艰难足音。
我对画并无深层研究，我只是凭一种直觉看画，创作关机的时候，我常常喜欢拿出一些画来欣赏，作为一种休息，也可以从中得到许多东西；有的画我看过也就淡忘了，因为它没有自己鲜明的个性，也没有能抓住读画人的东西；而有的画却让人长久地难以忘怀，一闭上眼睛，它就会清晰地浮现在你面前——徐惠泉的画，就属于这样一种类型。

徐惠泉  《花季》 68·68cm 2005年
说不完的徐惠泉
    肖静

古人说，诗无达诂诗无达志。绘画何尝不是？好的画也应该像诗那样没有非常确定的解释；好的画更应该像诗一样没有非常确定的意思。

艺术的意韵必须在直觉的感受中才能感受到。对画反复的观摩，才能感受其内在的精神。用外部的理论来解释画，只会卡断它的艺术脉搏。

徐惠泉的画是很有点意境的，像一首首唐诗又像一篇篇宋词，耐人寻味与琢磨。平时我们常听人说：“女人漂不漂亮并不重要，重要的是那个味道”。什么味道呢？没有说。不是不想说，而是说不出来，表达不清楚。
应该说，这个味道大多数人心里都明白，仅是不知道如何准确的表达。
这种意境大概要追溯到老子的哲学--“道”。“道”是一切事物的本体和生命，对一切具体事物的观造要进入到对“道”的观造。突破有限的“象”，达到“道”的境界。
唐代在禅宗思想的影响下，“境”就产生了。境生于“象”外，时间空间上都趋于“无限”的“象”，就是象外之象。在我看来一幅画要表现出象外之象，境外之境才能体现出“生命的道”。
可能是我的孤陋寡闻，我真的从来不觉得徐惠泉画的江南女子是什么美女，何况她们的相貌又是如此的相似，我就是觉得那画面上的女子很有味道，那一幅幅的画很有味道。这个味道我理解为境外之境。
我感觉这种味道表现了中西方在美学上的区别：西方追求美物  特别重视美。中国则不以为然，不太重视“美”特别重视“妙”，妙就是“道”。徐惠泉的画恰恰体现了这个“道”。
妙极，神秘之极——金圣叹评《水浒》，追求的就是象外之象，境外之境。
徐惠泉何尝不是！
记得我曾经问过徐惠泉，你的画到底追求什么呢？
徐惠泉很认真地思考了几分钟后说：“我真的说不清楚”。
我又问：“听说你对父母、妻子、孩子都很好，能不能举例说一说。”
徐惠泉又认真地想了一想说：“是蛮好的，也许没有别人说的那么好。我把父母接来与我一起住，很多人不理解。对妻子对孩子都是些很平常的事没什么好说的。”
我说：“你画中的女人是你妻子吗？”
这一次徐惠泉不假思索地说：“不全是。”
怪不得苏州的人都说徐惠泉人品画品都好……好在平平常常才是真吧？
我对徐惠泉说，作品分三个境界：一是“象”、二是“意”、三是“境”。由象到意，由意到境，境——我的理解就是难以用语言表达之——只可意会不可言传。
不可言传岂不“妙”哉！
中国画不仅是物类的世界也是个有意味有意境的世界，它能提示整个人生的意味，一幅画它可能是美的，也很好。但它没有揭示人生的命运，我不能说它有意境。
中国画要有哲理性的人生感、哲学感、宇宙感才能叫有“意境”。意境的美感包括哲理性、人生感、历史感、宇宙感，有一种惆怅的意味，有一种形而上的慰藉。
意境给人的美感，往往表现为一种惆怅，惆怅是最高的美感之一。
徐惠泉说，我同意你对国画的理解。
徐惠泉的作品给我留下的印象就是“惆怅”，而且是无限的惆怅……
每每阅读沙士比亚、曹雪芹的作品给我留下的印象也是惆怅，是挥之不去的惆怅……
真是说不完的莎士比亚，说不完的曹雪芹，说不完的徐惠泉……

徐惠泉  对镜  68x68cm
徐惠泉艺术简历
·徐惠泉
·1961年出生，江苏省苏州市人。
·中国美术家协会会员，江苏省国画院特聘画师，苏州市美术家协会副主席兼秘书长; 国家一级美术师。
·作品曾获中国美协’1992国际水墨画大赛优秀奖，’1993全国中国画大赛三等奖，“巴黎铁塔艺术杯”大赛一等奖，第二届“枫叶奖”多伦多国际水墨画创作大赛金奖，第四届全国工笔画展铜奖。
·作品入选首届全国中国画展，第八届全国美展，台湾大陆名家水墨联展，香港“人物五杰展”，日本二十世纪中国绘画展，第四届全国工笔画展，迎接新世纪中国工笔画展。应邀参加“新纪元”首届中国画学术邀请展，纪念孔子诞辰2550周年全国美展，中国艺术节国际中国画大展，南京水墨画传媒三年展等。
·应邀在北京中央美院画廊，以及大连、厦门、洛阳、烟台、台湾、香港、加拿大多伦多、美国纽约、日本东京、泰国曼谷、马来西亚吉隆坡等地举办个展、联展。作品被国内外美术馆、博物馆及企业、私人广为收藏。
·代表作品收入《中国当代美术全集》、《中国现代人物画全集》、《中国工笔画全集》、《20世纪中国绘画》、《当代中国工笔画集》、《名家人体艺术》、《名家仕女画艺术》、《中国人物画百家》、《中国现代重彩画法》等多部合集。
·出版有《徐惠泉人物画》、《当代工笔人物精品——徐惠泉》、《中国人物画名家技法讲座——徐惠泉彩墨人物画艺术》、《名家名画——徐惠泉》、《徐惠泉写意人物》专著及《徐惠泉人物画技法》VCD光盘等。